100 Momente, 100 Bilder

Anfang dieses Jahres hat Benjamin Gillmann alles auf eine Karte gesetzt. Für die Fotografie, für die er die Fachoberschule abbrach. „Es fühlte sich so an, als würde man da nicht hingehören“, sagt er. Jetzt probiert er sich als freiwilliger Helfer in der Medienpädagogik aus. Jetzt sei er „auf dem kreativen Pfad.“

Benjamin sitzt auf seinem Bett zu Hause in Moosach. „Meine Mutter blockiert gerade das Wohnzimmer“, sagt Benjamin und lacht. Er trägt ein grünes T-Shirt und eine dunkelgraue Schiebermütze auf dem Kopf.

Benjamin ist erst 17 Jahre alt. Im vergangenen Jahr porträtierte er auf dem Noisehausen-Festival bereits Peter Brugger, Sänger und Gitarrist der Band Sportfreunde Stiller. Benjamins Fotos postete die Band sogar auf ihrem Instagram-Account.

Ab dann porträtierte Benjamin Musikerinnen und Musiker beim CATropolis-Festival und fotografierte Football-Spiele der Munich Ravens. Er probiert sich aus – als Konzert- und Sportfotograf.

Mit seinen Fotos für das Projekt „10 im Quadrat“ fordert Benjamin Betrachterinnen und Betrachter heraus. Er sucht nach dem Grotesken, dem Absurden und Abstrakten. Er wolle „das Verborgene und Verrückte“ aus den Künstlerinnen und Künstlern herauskitzeln, wie er sagt.

Den Musiker Len Zelnitschek fotografierte Benjamin kopfüber, wie in einem Kokon eingewickelt, in einem Baum im Olympiapark hängend. Vom Kokon zum Schmetterling – eine Serie über die Entwicklung durch schwierige Lebensphasen.

Mit der Musikerin Cleo Dietmayr beklebte er einen ganzen Aufzug von innen mit Zeitungen. Die Texte und die verschiedenen Stockwerksknöpfe symbolisieren die verschiedenen Stufen des Erwachsenwerdens, das Cleo in ihren Songs verarbeitet.

Die Inspiration für seine Fotos seien für Benjamin seine Kindheit, Fantasiebücher und Filme. Er wolle Betrachterinnen und Betrachter das Unerwartete zeigen. „Ich mag es, Abstraktes und Hartes mit Licht zu kreieren. Wo die Leute sagen: ‚Wie hast du das hinbekommen?‘ Oder: ‚Das sieht vollkommen crazy aus.‘ Das ist meine Inspiration. Etwas zu finden, was Leute nicht oft sehen und nicht erwarten würden“, sagt Benjamin.

Gleichzeitig will er mit seinen Fotos Erinnerungen konservieren, das Vergangene festhalten. „Es ist natürlich auch ein Stück Geschichte, das man mitbringt“, sagt er. „Das wird sonst niemand mehr sehen, wenn du es nicht fotografierst.“

Vor Kurzem investierte Benjamin in eine neue Kamera. „Diese Kamera ist ungefähr der Rolls-Royce. Meine andere war ein alter Pick-up“, sagt er stolz.

Die schönsten Momente in der Fotografie sind für Benjamin die Reaktionen der Protagonistinnen und Protagonisten seiner Fotos. „Wenn die Person deine Fotos nach zehn Sekunden, nachdem du die Fotos geschickt hast, auf einmal als sein Profilbild hat, das sind die überraschenden Momente. Da merke ich: Es lohnt sich, Fotograf zu sein“, sagt er.

Irgendwann will Benjamin eine Ausbildung zum Mediengestalter machen. Diesen Sommer will er aber erst mal ein Mini-Floß bauen und über den See paddeln. Diese spontanen Pläne und „Geistesblitze“, wie er sie nennt, kommen ihm mitten in der Nacht. „Morgen will ich spontan mit einer Schaukel auf den Olympiaberg. Weil ich es einfach dort schön finde“, sagt er. „Ich hänge mir um 6 Uhr, wenn die Sonne aufgeht, eine Schaukel hin und schaukle ein bisschen.“

„Ich kann mich eigentlich an keine Zeit in meinem Leben erinnern, in der ich keine Kamera in der Hand hatte und Fotos und Videos gemacht habe“, sagt Julie Himmelstoß, 27. Ihre kurzen dunkelbraunen Haare fallen im Mittelscheitel. Ihre Arme zieren schwarze Tattoos.

Als sie sechs war, bekam sie eine erste Digi-Cam, mit 14 fotografierte sie die Facebook-Profilbilder ihrer Freundinnen. Es folgten Anfragen von kleinen Münchner Modemarken und die fotografische Begleitung einer Münchner Musikerin auf ihrer Tour.

Dabei beabsichtigte Julie nie, beruflich in der Fotografie-Branche zu arbeiten. „In meinem Elternhaus wurde mir immer mitgegeben, dass es schwer ist, Kunst zu machen. Dass es hart ist, damit Geld zu verdienen und dass es meistens gar nicht möglich ist.“ Daher machte Julie eine Ausbildung im Marketing, die Fotografie blieb erst ein Hobby für sie.

Nach und nach wurde sie von Künstlerinnen und Künstlern kontaktiert und für Fotos angefragt. „Dann habe ich einfach nie wieder einen Job gesucht“, sagt Julie. „Ich glaube, dass da auch ganz viel Glück bei mir mit dabei war. Aber auch der Fakt, dass ich nie aufgehört habe.“ Mittlerweile widmet sie sich ausschließlich der Konzert- und Künstlerfotografie.

Den Stil ihrer Fotos würde Julie selbst als „Tumblr 2012 Vibe“ beschreiben. „Es ist alles immer relativ dunkel, sehr moody, ich habe viele Schatten und spiele viel mit Licht.“ So auch Julies Fotos für das Projekt „10 im Quadrat“.

Im Zentrum ihrer Arbeit steht für Julie immer der Artist selbst. „Ich möchte, dass die Person mit dem allertollsten Gefühl auf der ganzen Welt nach Hause geht und sich denkt, ich habe mich schön gefühlt.“ Das Konzept: „Ich mache das einfachste Porträt der ganzen Welt.“

In ihren Fotos verwebt Julie ihre Kreativität und die Welt der Künstlerinnen und Künstler. So entstand ihre Idee, ein kleines Konzert im Studio nachzustellen. Dafür brachten die Musikerinnen und Musiker einen persönlichen Gegenstand mit, der sie in ihrer Musik inspiriert.

An diesem Tag trifft sich Julie mit dem Musiker Max Weigl im Studio von Julies Mama. Sie ist selbständige Grafikdesignerin. Vor ein paar Jahren hat sie sich zu Hause ein Studio aufgebaut, das Julie manchmal für ihre Shoots nutzt.

Julie shootet in drei Sequenzen. Im ersten Teil porträtiert Julie Max, der auf einem schwarzen Hocker vor einem dunklen Hintergrund sitzt. In seinen Armen drückt er ein Kuscheltier an sich – eine Diddl-Maus mit roten Haaren und einer orangefarbenen, glänzenden Krawatte. „Diese Diddl-Maus repräsentiert, glaube ich, meine Musik ein bisschen, weil meine Texte oft verletzlich und cute wirken auf eine Art“, sagt Max. „Kuscheltiere symbolisieren für mich Liebe, Intimität und Nähe. Das ist auch etwas, das man extrem sucht in seinen Zwanzigern oder besonders in so einer digitalen Einsamkeit.“

Zweite Sequenz: Max wechselt sein Outfit, während Julie die Lichter umstellt und die Nebelmaschine anheizt. Max performt jetzt seinen ausgewählten Song vor Julies Kamera. Mit seiner Gitarre steht er vor der dunklen Leinwand. Julie fotografiert ihn bewusst unscharf im Slow-Shutter-Modus. Max' Bewegungen sind dadurch auf den Bildern verzerrt, nur eine Bewegungsabfolge lässt sich erkennen.

Dann nimmt Julie ein kurzes Video von Max auf. Die Sequenzen schneidet sie für die Vernissage aneinander. Eine Art Bewegt-Film der Musikerinnen und Musiker.

„Es ist irgendwie ein bisschen Kaffee trinken, kurz Fotos machen und dann schon vorbei“, sagt Julie danach und lacht.

Für die Ausstellung druckt Julie ein Zine aus, das die verschiedenen Sequenzfotos der Künstlerinnen und Künstler zeigt. „Die Künstlerinnen und Künstler selbst inspirieren mich. Die kommen auf mich zu und geben mir ein Stück von ihrer Kunst. Und ich darf im Endeffekt meine Gefühle und meine Vergangenheit in die Fotos stecken“, sagt sie.

Theresa Huber, 28, kniet auf dem Boden, dann steht sie wieder auf, geht näher an den Musiker Len Zelnitschek heran. Dann geht sie einen Schritt nach hinten. In Theresas Wohnung ist es still, nur das Klicken der Kamera hallt durch den Raum. Theresa trägt ein schwarzes Outfit, ihre braunen langen Locken fallen über ihre Schultern.

Die Musikerinnen und Musiker, die Theresa bei sich zu Hause porträtiert, sitzen auf einem modernen Freischwingerstuhl mit schwarzer Sitzfläche aus Leder. Manche legen seitlich ihre Beine über eine Lehne, andere blicken frontal in die Kamera und schlagen ihre Beine übereinander. Oder sie ziehen ihre Knie nah an sich heran.

Alle hören über weiße Kabelkopfhörer ihren traurigsten Song. Die einen schließen dabei ihre Augen. Die anderen runzeln die Stirn, spannen Körper und Kiefer an. Den einen rollt eine Träne über ihre Wange, die anderen legen ihren Kopf auf die herangezogenen Knie.

Der Musiker Len Zelnitschek legte sein Kinn auf seine Hände. Seine blonden langen Locken verstecken einen Teil seines Gesichts.

Für ihr Konzept „The saddest song“ möchte Theresa eine leise, zurückgezogene Seite der Musikerinnen und Musiker zeigen. „Ich wollte einen Backstage-Moment fotografieren und nicht das Inszenierte nach außen“, sagt sie. Dafür lässt sie die Artists über Kopfhörer ihre traurigsten Songs hören. Ohne einzugreifen, Posen vorzuschlagen oder die Authentizität der Situation zu verändern. Ihre Shootings für das Projekt „10 im Quadrat“ dauern meistens nur wenige Minuten.

In ihrer Fotografie suche Theresa nach Intimität und Softness, der „Perfection of Imperfection“. Egal, „ob in einem Blatt, das herumliegt oder in einem Menschen“, sagt sie. Oft versuche sie, Situationen auf „ihre Natürlichkeit zu reduzieren“.

Wenn sie fotografiert, fühle sie sich wie ein kleines Kind. „Ich bin dann total fasziniert und ich könnte mich damit stundenlang beschäftigen“, sagt sie. „Was mir dann im Endeffekt vor allem Spaß macht, ist auch, was nach dem Foto entsteht: das Zusammensetzen von verschiedenen Momenten.“

Auf ihrem Instagram-Account postet Theresa ihre Fotos meistens in einem Dreiklang. Ein Spiel aus verschiedenen Situationen und Momentaufnahmen, die trotzdem miteinander verbunden sind und eine Geschichte erzählen. Manchmal denkt sie, dass ihr Gehirn wie ein Moodboard funktioniere.

Theresa studierte in München Mode und Design-Management und im Master Strategic-Management. Nachdem sie ein Praktikum in Berlin gemacht hatte, entschied sie sich dazu, für ein paar Jahre in Berlin zu bleiben. Dort sei sie in die „Mode Bubble“ gerutscht. Bei der „Berlin Fashion Week“ fotografierte sie Backstage, ein Traum, den sie lange hatte und der sich dann verwirklichte.

Sie stellte aber fest, dass ihr die Mode-Welt zu oberflächlich ist. „Irgendwann habe ich gemerkt, dass es Themen gibt, die so viel wichtiger wären, als ständig über sein Aussehen zu sprechen“, sagt sie.

Bevor Theresa ihre Shootings für das Projekt begann, fragte sie sich manchmal „Was ist, wenn ich das Gefühl nicht finde?“. Die Gefühle der Musikerinnen und Musiker, die Emotionen, die beim Hören ihres traurigsten Songs aufkommen. „Bei den Shoots hat es sich bestätigt, dass es immer da ist“, sagt sie. „Und das ist irgendwie magisch.“

Die Fotografin Antonia Karl, 22, und die Musikerin Hannah Siebauer treffen sich vor einer leer stehenden Lagerhalle in München-Obersendling. Die Halle sieht verlassen aus. An den Wänden hängen weiße Planen. Hannah steht vor einer dieser Planen, Antonia steht ihr gegenüber.

„Mein Grundkonzept war mir relativ schnell klar“, sagt Antonia. „Ich wollte einen komplett analogen Prozess darstellen, von den analogen Fotos bis zum Print-Verfahren, was auch komplett analog ist.“ Dazu arbeitet sie mit dem sogenannten Cyanotypieverfahren, ein Druckverfahren, das keine Dunkelkammer benötigt.

Für die Shootings ging Antonia mit den Musikerinnen und Musikern meistens in ihren Wohnvierteln spazieren. Die Fotos entstanden an Orten mit spannenden Hintergründen. Oder einfach da, wo sich die Artists wohlfühlten. Vor einer Lagerhalle, bei sich zu Hause oder auf einem Spielplatz. „Ich habe mir überlegt, dass ich passend zu diesem analogen Stil einfache Porträts machen will, die die Musikerinnen und Musiker einfach als Person im Alltag darstellen. Ohne dass es groß inszeniert ist“, sagt Antonia.

Jetzt sitzt sie bei sich zu Hause, vor ihrer Küche in ihrer Wohnung in München-Sendling. Sie trägt große silberne Ohrringe, ihre langen dunkelblonden Locken fallen auf ihr schwarzes T-Shirt. Ein Septum ziert ihr Gesicht.

Sie erzählt, dass ihr Papa ihr eine Analogkamera schenkte, mit der sie erst hauptsächlich in Urlauben ihre Freundinnen fotografierte. Bis zu ihrem Kommunikationsdesign-Studium in Augsburg verlor sie die Fotografie aus den Augen – bis sie durch einen Fotokurs ihre Verbindung zur Kamera wiederentdeckte. Jetzt studiert sie Fotodesign in München.

„Ich bin ein kompletter Magazin-Fan“, sagt Antonia. Sie möge es, durch die Seiten zu blättern, sich inspirieren zu lassen, etwas „Fassbares“ in der Hand zu halten. Ihre Inspiration findet sie vorrangig in Museen, Ausstellungen und Fotos von anderen Fotografinnen und Fotografen.

Im Juli vergangenen Jahres veröffentlichte Antonia ihr erstes Zine im „kaffeeundkippen“ Online-Magazin. In ihrer analogen Fotoserie verarbeitet sie „positive Nostalgie“. Es geht um Freundschaft, Veränderungen und ihr Zuhause in der Nähe von Herrsching am Ammersee.

„Wir hatten da super viele Sommer zusammen. Ich verbinde da einfach sehr viel Emotionales und sehr viel Vergangenheit mit“, sagt Antonia. „Das wollte ich abbilden und auch mit Text verkörpern. Es soll eine Art Rückblick sein, in die Zeit, die mal war.“

Antonias Fotos sind in warme Farben getaucht, manchmal in Schwarz-Weiß. Ihren Stil beschreibt sie selbst als „sehr alltäglich“ und „bodenständig“. Die meisten ihrer Fotos zeigen Menschen, Architektur und Licht. Momentaufnahmen.
„Ich habe immer sehr viele Gedanken, die mir in den Kopf kommen, zu dem, was ich cool finde. Und dann verwerfe ich sie wieder. Das kommt dann immer in Schüben. Aber was mir wichtig ist, ist, dass ich meinen künstlerischen Stil einfach mit reinpacken kann und dass das Gesamtbild funktioniert“, sagt sie. „Ich habe eine Bandbreite an Sachen, die mich interessieren. Ich probiere mich da gerade noch viel aus.“

Antonia interessiert sich „für alles, was mit Kunst zu tun hat“, sagt sie. „Ich habe immer Notizheft mit Stift dabei. Ich schaue schon, dass ich eigentlich jeden Tag irgendwas zeichne, dass ich im Flow bleibe.“ Aus ihren Gedanken entstehen Skizzen. Manchmal schreibt sie ihre Gedanken auch in Textform auf. „In dieses Notizheft kommt eigentlich alles rein, was für mich gerade von Relevanz ist“, sagt sie.

Für die Zukunft weiß Antonia: „Ich glaube nicht, dass ich eine Person bin, die an einem Ort immer im selben Studio shooten will.“ Ihr Traum: Ihre Leidenschaft fürs Surfen, Reisen und Unterwegs sein mit der Fotografie zu verbinden.

Als sie klein war, fotografierte Maya Koutsoulis, 32, mit einer Analogkamera, die sie von ihrem Vater geschenkt bekam. Damals fotografierte sie monatelang die Sonnenuntergänge von ihrem Balkon aus in Griechenland. Als der Film voll war, öffnete sie die Kamera vor Aufregung direkt, ohne die Bilder erst zurückzuspulen.

Ihre monatelange Arbeit war verloren und Maya erinnert sich, „zutiefst zerstört und traurig“ gewesen zu sein. „Das ist das Erste, woran ich mich aktiv erinnere, wie die Fotografie bei mir angefangen hat“, sagt sie. Heute lacht sie über ihren Fauxpas von damals.

Als sie in der ersten Klasse war, ist Maya mit ihrer Familie nach Thessaloniki ausgewandert. Am Anfang habe sie viel mit Schatten, Formen und Wasseraufnahmen experimentiert und ihre Hunde und ihren Bruder fotografiert. „Jetzt kann ich irgendwie nicht mehr ohne“, sagt sie.

„Ich habe immer viel geschrieben und war immer interessiert an Geschichten und Büchern. Ich habe sehr visuell gedacht. Ich habe meine Träume ganz lange aufgeschrieben in Traumtagebüchern. Es gab einfach immer diesen visuellen Zugang“, sagt Maya.

Schon immer wollte Maya Kamerafrau werden. Heute studiert sie Regie an der HFF in München. „Ich habe früher immer gesagt, ich ziehe bestimmt niemals nach Bayern. Ich bleibe in Berlin oder Hamburg. Jetzt bin ich seit vier Jahren hier in München und finde es auch ganz schön.“ Sie lacht und schüttelt den Kopf. Ihre hellblonden schulterlangen Haare bewegen sich mit.

Als sie 15 war, zog sie mit ihrer Familie von Thessaloniki zurück nach Berlin. Sie erinnert sich an das Gefühl, als sie als „die Neue“ zurück in Deutschland in einer fremden Klasse saß und erst keinen Anschluss fand. Ihr Gefühl von damals übersetzt sie noch heute in ihrer Kunst. „Man war immer die Fremde, irgendwie. Ich habe mich oft als die gefühlt, die viel beobachtet, und das habe ich immer noch. Und gleichzeitig diese schönen kleinen Momente zu finden, das ist mir extrem wichtig“, sagt Maya.

Am liebsten arbeitet Maya mit natürlichem Licht. „Ich liebe es, wenn ich herumlaufe und ich dann an einer Wand leichte Kontrastschatten sehe. Oder wenn durch die Sonne ein Strahl im Hintergrund entsteht. Danach suche ich aktiv“, sagt sie. Ihren Stil beschreibt Maya selbst als „cinematisch“. „Mir ist es einfach wichtig, dass es so eine gewisse Haptik hat und fassbar ist.“ In ihren Fotos sucht Maya nach der Rauheit, nach Lebendigkeit in Momenten.

Für ihr Konzept probierte Maya etwas aus, das sie davor noch nie gemacht hat. Mit den Künstlerinnen und Künstlern arbeitete sie mit Tüll und Folien. „Für mich stehen diese Tüllsachen ein bisschen für die Ebene der Musik. Eine Art Projektionsfläche, hinter der zwar ein Künstler entsteht, man das aber selbst auch nicht ganz zu fassen bekommt, weil man selbst so viel hineininterpretiert von persönlichen Sachen. Es ist wie eine Übersetzung für mich in Bildsprache. Und der Tüll ist diese Interpretationsebene“, sagt sie.

Ihre Shoots für „10 im Quadrat“ beschreibt Maya als „Experimentieren on the run“. Mit den Musikerinnen Isabella Löscher und Cleo Dietmayr fand sie etwa eine passende Stelle unter einem Parkdach im Olympiadorf.

Jetzt steht Isabella vor einer silberweißen Wand, die einen perfekten Kontrast zu ihren schwarzen Haaren und schwarzem Outfit bildet. In ihren Händen hält Isabella einen schwarzen Tüllstoff, den sie vor der Kamera hin und her schwenkt, um sich wickelt und über ihrem Kopf ausbreitet.

Je nach Ort, Wetter und Lichtsituation setzt Maya die Stoffe und Materialien unterschiedlich mit den Künstlerinnen und Künstlern ein – ob vor einer silbernen Wand, in der Spiegelung eines Fensters oder in einem Hinterhof, in dem durch bestimmte Lichteinfälle Formen an den Wänden entstehen.

„Ich mag Zirkuswelten sehr gerne und ich habe auch ein kleines Faible für die Theaterwelt“, sagt Maya. Im vergangenen Jahr fotografierte Maya Schauspielerinnen und Schauspieler im Zirkuszelt bei den Volksfestspielen Romeo und Julia in Tirol. „Da ist ein kleiner Traum wahr geworden.“

Granatapfelsaft fließt an seinem Arm runter, während der Musiker Chris Jagoda am Tisch sitzt und herzhaft in die Frucht beißt. Tomaten, Chilis und Paprika liegen vor ihm auf der Tischplatte verteilt. Manche sind noch ganz, manche zermatscht oder angebissen. Rote Kerzenständer mit mintgrünen Kerzen begrenzen den Tisch rechts und links.

Die Szenerie wird farblich durch ein kräftiges Rot und Schwarz bestimmt. Die Früchte und Gemüse symbolisieren Schärfe. Chris’ Look zeigt ein Mix aus femininer Weichheit und kantiger Provokation. All diese Elemente stehen für Chris und seine Musik: ein Mix aus Chaos und Stärke.

Er trägt eine schwarze Weste aus Fell, darunter eine beige Seidenbluse. Auf der Brust ist eine große Schleife geknotet. Die Haare sind über seinen Kopf zu langen Spikes geformt, sein Augen-Make-up ist verschmiert und wirft einen dunklen Schatten. Im Hintergrund läuft Musik. Die Atmosphäre am Set ist entspannt.

Das Konzept von Rosa Lietz, 24, für „10 im Quadrat“ erinnert an das Gemälde „Das Abendmahl“ von Leonardo Da Vinci. Rosa fotografiert alle zehn Künstlerinnen und Künstler an demselben Tisch im Studio. Der Tisch ist für jede Künstlerin und jeden Künstler unterschiedlich gedeckt, jede Szenerie erzählt ihre eigene Geschichte.

In jedem Bild ist als „kleines Easter Egg“, wie Rosa selbst sagt, ein persönlicher Gegenstand der Artists platziert. In Chris' Bild stehen seine mitgebrachten Objekte für seine Schreiner-Ausbildung. In anderen Bildern lassen sich Glitzerkugeln, Schaufeln oder die Lieblingsfrucht der Musikerinnen und Musiker wiederfinden.

Für Rosa symbolisiert der Tisch einen Ort der Begegnung und der Gemeinschaft. Am Ende wird sie alle zehn Fotos aneinanderreihen, als säßen alle Künstlerinnen und Künstler zusammen an einem langen Tisch.

„Es macht einfach so Spaß, immer eine neue Geschichte mit seinem eigenen Bild zu schaffen“, sagt Rosa. Ihre dunkelbraunen welligen Haare hat sie hochgesteckt. Sie trägt eine schwarze Weste und schwarze weite Hose. Rosa lacht viel, wenn sie erzählt und streicht sich immer wieder ihre Haare hinter die Ohren.

Rosas Inspiration für ihre Kunst kommt aus der „Lust, Neues zu schaffen“. „Ich achte sehr viel auf Details im Leben. Zum Beispiel, wenn man mal länger hochschaut oder länger eine Wand anschaut. Man kann immer mehr sehen“, sagt sie. „Das Schöne ist, dass jeder etwas Eigenes in einem Bild finden kann.“

Zuletzt arbeitete Rosa mit FLINTA-Artists in der Musikbranche zusammen. Zwischen ihren analogen Projekten und Momentaufnahmen macht sie viel Konzertfotografie und hält Momente auf der Bühne fest. Auf dem Oben-Ohne-Festival in München porträtierte sie 2024 Domiziana und 2025 Edwin Rosen.

„Beim Konzept inszeniere ich sehr viel und stelle auch die Persönlichkeiten noch mal dar. Aber ich mag es total, wenn man einfach nur den rohen Moment aufnimmt. Wenn man Menschen trifft und nur fünf Minuten hat und dadurch schon irgendwas Besonderes entsteht“, sagt Rosa.

Ihr Bedürfnis, Momente visuell festzuhalten, entstehe für Rosa unter anderem aus der Angst, zu vergessen. „Man kann ja vergessen werden und es gibt das eigene Vergessen“, sagt sie. „Ich glaube schon, dass ich dadurch bisschen angefangen habe, alles festzuhalten. Daraus schaffe ich dann meine eigene Kunst.“

Ihre Kunst – das sind mittlerweile Foto und Film. Neben der Fotografie arbeitet Rosa als Videografin. Sie dreht Kurzfilme, und macht Creative Direction. „Ohne das Fotomedium würde es bei mir das Filmmedium nicht geben“, sagt Rosa. „Ich möchte auf jeden Fall noch mehr Richtung Film gehen, auch Richtung Regie. Ich habe mich echt verliebt in diese Filmwelt und in das Bewegtbild. Man kann Emotionen noch mal ganz anders darstellen und Menschen auf eine ganz andere Art und Weise berühren. Und das ist so toll.“

Die Sonne strahlt, nur ein paar durchsichtige Wolken ziehen langsam über den Himmel. Pärchen, Jogger, Kinder und Familien flanieren auf den Wegen im Nymphenburger Schlosspark.

Der Fotograf Niklas Reinfelder, 24, und der Musiker Ruben Zirkel treffen sich für das Projekt „10 im Quadrat“ an Rubens schönsten Ort seiner Welt: an einem Teil der alten Schlossmauer im Nordwesten des Nymphenburger Schlossparks. Die Mauer ist an diesem Teil etwas abgesenkt, auf einer Seite befindet sich ein kleiner Graben, dahinter erstrecken sich weitläufige Grasflächen.

Niklas und Ruben sitzen auf der Mauer. Sie trinken Mate und Maracuja-Schorle. Bevor sie mit den Fotos starten, sprechen sie lange. Es geht um Freundschaft, Identität, Liebe und Partnerschaft. Es wirkt, als würden sie sich schon ewig kennen. Langsam verschwindet die Sonne hinter den Bäumen in der Ferne.

„Die schönsten Orte meiner Welt sind Orte, mit denen ich am meisten meine Jugend und meine Freunde verbinde“, sagt Niklas. „Die finden alle hier statt. Das sind die Bars, in die ich gerne gehe, und die Clubs, in denen ich krasse Abende hatte. Oder das Feld am Ende von unserem Ort, wo wir früher immer waren. Es ist so viel simpler, glaube ich, als man sich erst vorstellt.“ Für sein Konzept möchte Niklas die Musikerinnen und Musiker so porträtieren, wie sie sind. An ihrem Lieblingsplatz. Ohne professionelle Beleuchtung, Make-up oder Szenenbild.

„Ich war immer der Typ, der immer eine Kamera dabeihatte. So mit 15 mit Freunden an der Isar. Der immer alle genervt hat, weil ich mit dieser Kamera herumgerannt bin“, sagt Niklas und schmunzelt.

Er sitzt in seinem Studio in der Maxvorstadt in München. Hinter ihm öffnet ein großes Fenster mit schwarzen Leisten den Blick in den Hinterhof mit weißen Hausfassaden und Balkonen, auf denen Blumentöpfe stehen.

Niklas erinnert sich an seine Kindheit. „Früher bin ich durch die Wohnung gerannt und habe eine Apple-Watch in den Obstkorb gelegt und die dann abgeschwenkt und abgefilmt.“ Mit 13 lud er Unboxing und Review-Videos auf Youtube hoch, ohne technisches Equipment. „Es gibt so Kamera-Slider, auf die man die Kamera stellen und die man langsam bewegen kann. So was hatte ich nicht. Dann habe ich ein Spielzeugauto genommen und die Kamera darauf gestellt“, sagt er und lacht.

Niklas erzählt, dass er sich beim Fotografieren nie mit anderen verglichen hat. „Es war immer etwas, was ich sehr für mich selbst gemacht habe“, sagt er. Während der Schulzeit verdiente er sich etwas Geld mit ersten Foto-Jobs, für Immobilienmakler und Events. Mittlerweile arbeitet er seit über fünf Jahren als selbständiger Fotograf und Creative Director.

In der 12. Klasse, ein Jahr vor seinem Abi, entschied er sich dazu, die Schule abzubrechen. „Ich habe gesagt: Ich schmeiß’ jetzt alles hin und will Fotograf werden. In den ersten Monaten hatte ich die Vorstellung von ‚ich erzähl jetzt mal ein paar Leuten, dass ich Fotograf bin, und dann geht es los‘“, sagt er. „Das habe ich ein bisschen unterschätzt. Es hat auf jeden Fall lange gedauert, bis ich das Gefühl hatte, dass ich verstanden habe, wie alles läuft. Und ich glaube, so ganz das habe ich immer noch nicht.“

Vor ein paar Jahren entschied sich Niklas dazu, in Berlin ein Seminarstudium an der Ostkreuzschule für Fotografie zu machen. Er arbeitet außerdem am JFF Institut für Medienpädagogik in München und entwickelt verschiedene Projekte im Bereich Social Media für Kinder und Jugendlichen an Schulen. Vor Kurzem gründete er zusammen mit einem Freund seine eigene Agentur „studio moodio“, ein Kreativstudio und Produktionshaus.

Seinen künstlerischen Stil in seinen Fotos und Videos beschreibt Niklas kurz und knapp als „im Wandel“. „Deswegen teile ich auch sehr wenige Arbeiten. Weil ich einfach gar nicht so richtig weiß, in welche Richtung das jetzt alles gehen soll.“ Seine Inspiration findet er in seinem eigenen Lebensgefühl, in dem, was ihn interessiere und fasziniere. Und in Gesprächen mit anderen Menschen.

Im Nymphenburger Schlosspark stehen Niklas und Ruben jetzt auf der Mauer, circa zehn Meter voneinander entfernt. Ruben spaziert auf der Mauer entlang, Niklas fängt den Moment mit seiner Leica-Analogkamera ein. Er wechselt schnell das Objektiv, dann sitzen sie voreinander im Schneidersitz. Niklas kneift die Augen zusammen und hält die Kamera dicht an sein Gesicht.

Die Sonne ist mittlerweile untergegangen. Ein Reh taucht hinter einem Hügel im Park auf und grast über die Wiese. Der Himmel wird langsam dunkel, die Wolken färben sich rosa und lila.

Der Musiker Adrian Gibowski sitzt auf einem schwarzen Stuhl in einem hell ausgeleuchteten Studio. Er trägt einen braunen Pullover, eine schwarze Hose und schwarze Schuhe. Ein Bein hat er an sich herangezogen, sein linker Arm liegt lässig auf seinem Knie. Die Fotografin Chiara Alliyah Waage, 30, steht wenige Meter vor ihm. Ihre Kamera hält sie nah an ihr Gesicht.

Die Bilder, die Chiara für das Projekt „10 im Quadrat“ von den zehn Musikerinnen und Musikern macht, strahlen Wärme und Ruhe aus. Die Porträts sind vermeintlich simpel, sie entstehen in einem einfachen Set-up, in dem der Fokus visuell primär auf den Musikerinnen und Musikern selbst liegt.

Die Besonderheit: Chiara bringt mithilfe eines Druck-Scan-Verfahrens ein analoges Element in ihre Bilder. Dafür druckt sie die schlichten Porträts aus und schreibt darauf handschriftlich Ausschnitte aus Songtexten der Musikerinnen und Musiker. Die Fotos scannt sie auf einem Linienpapier, das aussieht, wie eine ausgerissene Seite aus einem Notizbuch. Durch das Auseinandersetzen mit ihren Songtexten, fiel ihr der Zugang zu den Musikerinnen und Musikern leichter, erzählt Chiara.

Den Zugang zur Fotografie bekam Chiara bereits als Kind durch ihre Tante. Als Jugendliche kaufte sich Chiara eine Spiegelreflexkamera, mit der sie zusammen mit ihren Cousinen kleine Shootings veranstaltete. „Ich habe mir immer kleine Welten gebaut“, sagt Chiara heute.

Chiara hat eine ruhige Stimme und spricht bedacht. Es wirkt, als würde sie sich ihre Gedanken vor jedem Satz zurechtlegen. Sie sitzt im BSTN-Office, im Hintergrund steht ein großes Whiteboard. Sie trägt eine grüne Adidas-Jacke, ihre Haare sind in einem Zopf geflochten.

Irgendwann habe sie angefangen, analog zu fotografieren. „Da habe ich mich dann richtig ins ganze Handwerk verliebt“, sagt Chiara. 2016 begann sie, Fotodesign zu studieren, danach habe sie lange als Freelancerin in der Foto- und Video-Branche gearbeitet. Mittlerweile arbeitet sie bei BSTN im Social-Media- und Marketing-Team.

Der Fokus liegt in ihrem Job derzeit auf der Fashion. In der Zukunft will Chiara jedoch mehr in der Dokumentarfotografie arbeiten. „Wo nicht alles so gestellt ist“, wie sie sagt. „Wenn die Sachen seelenlos sind, dann macht es mir nicht so viel Spaß. Ich merke immer, dass das Feuer wiederkommt, sobald man es schafft, die Essenz, die Person festzuhalten, die man gegenüber hat“, sagt sie.

„Fotos, in denen man den Menschen sieht und wiedererkennt. Das ist das, was mich am meisten bewegt.“

In ihren privaten dokumentarischen Projekten will Chiara Geschichten erzählen. Geschichten, die andere vielleicht nie sehen würden. Dazu zieht sich ein Thema wie ein roter Faden durch ihre Werke: die Frage nach Identität und Heimat.

Chiara porträtiert in ihren persönlichen Projekten am liebsten Freundinnen und Freunde und Familienmitglieder. Inspiration finde sie in der afroamerikanischen Seite ihrer Familie. Im Haus ihrer Großmutter, die in der Nähe von Washington wohnt. In der Einrichtung ihres Wohnzimmers, den Gewändern und großen Hüten, die Chiaras Oma und ihre Freundinnen am Sonntag in der Kirche tragen.

Ihre persönlichen Arbeiten sind geprägt durch das Motiv der Familiengeschichte, der kulturellen Unterschiede und Besonderheiten.

„Das ist das, womit ich mich immer verbunden fühle zu den Leuten aus meinem Umfeld“, sagt Chiara. „Das ist das, was ich an meiner Familie besonders finde. Weil das ganz einzigartige Umstände und Räume sind, in denen man sich befindet. In die andere Leute auch gar keinen Einblick hätten.“

Die Fotografie ermöglicht Chiara, zwischen verschiedenen Welten hin und her zu springen. Und Momente zu beobachten und einzufangen.

Das Wassereis tropft auf den Boden des Sets. Immer, wenn Jessy Romero Walter, 26, auf den Auslöser drückt, klackt, piepst und blitzt es gleichzeitig. Die Musikerin Cleo Dietmayr steht am Set vor einer blauen Leinwand. Im Laufe des knapp zweistündigen Shootings wechselt sie ein paar Mal das Outfit. Zwischendrin werden ihre Haare umgestyled und die Beine mit einer Glow-Lotion eingeschmiert.

Im Mittelpunkt von Jessys Konzept für das Projekt „10 im Quadrat“ steht die Kunstfigur, das Alter Ego der Künstlerinnen und Künstler. „Die Essenz, die die Musik der Artists ausmacht“, wie Jessy sagt. Sie trägt eine blaue Jeans und ein graues Longsleeve, das mit Farbklecksen bespritzt ist. Ihre Haare hat sie zusammengebunden.

Jessy porträtiert Cleo erst im Fußballlook – bevor Cleo zur Musik kam, wollte sie professionelle Fußballerin werden. Sie trägt neon orange Fußballschuhe, weiße Adidas Socken, eine schwarze kurze Trainingshose und ein Fußballtrikot mit der Nummer 26. Auf ihrem Kopf hat die Maskenbildnerin Franziska Rosenbaum, die Jessy heute neben Laurin Hirsch assistiert, kleine Dutts gestylt. Zwei Strähnen hängen über Cleos Stirn.

„Ich finde es super spannend, für jede Person einen eigenen Raum zu erschaffen, der zu der Person passt“, sagt Jessy. Jetzt sitzt sie in ihrer Wohnung in München-Sendling, im Hintergrund läuft ihre weiß graue Katze durch das Zimmer. „Ich wollte die Shoots gerne im Studio machen, weil ich Studiotechnik liebe. Also fantasievolles Arbeiten mit Licht. Ich habe das Gefühl, im Studio hat man alle Möglichkeiten und man kann alles kreieren. Aber trotzdem ist alles in einem Raum.“

Jessy arbeitet im Milk-Studio in Schwabing-Freimann als Studiomanagerin. Gleichzeitig studiert sie Fotografie an der HFF in München. Als Jugendliche fotografierte sie ihre Freundinnen für ihre Facebook-Profilbilder und assistierte bei Filmsets als Beleuchterin oder Kameraassistentin. Mittlerweile kann sie von der Fotobranche leben.

„Die Fotografie stimuliert mich sehr“, sagt Jessy. „Schon bei den Studienprojekten habe ich es geliebt, unterwegs zu sein und Situationen zu erleben, die man sonst nie erleben würde. Es ist irgendwie so ein Geschichten-Leben. Ich glaube, ich hatte vieles nicht gesehen, würde ich nicht diesen Weg gehen“, sagt sie.

Wenn Jessy über ihre Arbeit in der Fotoindustrie redet, wird schnell deutlich, wie sehr sie in ihrem Job und ihrer Kunst aufgeht. Sie erzählt aber auch, dass sie sich manchmal wie ein „ausgewrungener Lappen“ fühle. Dass ihr die Arbeit viel abverlangt und Shootings oft auch mit Druck verbunden sind.
„Es gibt Tage, da habe ich das Gefühl, ich sterbe zehn Tode. Wenn die Festplatte nicht funktioniert. Oder das Bild scheiße aussieht. Und ich so tun muss, als wäre alles fein. Aber eigentlich finde ich gerade alles ganz schrecklich und will das Handtuch schmeißen“, sagt sie.

Gleichzeitig liebt sie die intime Verbindung, die zwischen Model und Fotografin bei Shootings entstehen kann. Dass sie ihre sprudelnden Ideen und Gedanken, die Intensität ihrer Gefühle in kreative Arbeit übersetzen kann. In laute, experimentelle Bilder.

Zurück im Studio in Schwabing-Freimann. Cleo trägt mittlerweile ein anderes Outfit, Jessy steht auf einem Hocker und fotografiert sie von oben. Dann fängt sie im richtigen Moment die richtige Pose ein. Zusammen stehen Jessy und Cleo am großen Monitor, der neben dem Set aufgebaut ist, und gehen durch die Bilder. Sie sind frech und gleichzeitig verspielt. Und jedes Bild erzählt die eigene individuelle Künstlerperson der Musikerinnen und Musiker.

Wenn Jessy an die Zukunft als Fotografin denkt, hat sie einen klaren Wunsch im Kopf: „Wenn ich mein ganzes Leben lang von der Fotografie lebe und am Ende meines Lebens immer noch Lust habe, es zu tun – das wäre mein Traum.“

„Ich glaube, meine Fotos sind wie Glühwürmchen“, sagt Zhongzixia Yao, 32. „Die man nur nachts sieht, wenn alles still ist.“ Zhongzixia sitzt bei sich zu Hause. Er trägt eine runde Brille mit silbernem Gestell, Glatze und einen schwarzen Longsleeve.

Ähnlich wie den Outcome seiner Bilder empfindet er den Prozess des Fotografierens. Manchmal suche er in fremden Städten nach stillen und unscheinbaren Orten, die von vielen oft übersehen werden. „Diese Orte tragen Spuren vieler Menschen. Jemand hat hier mal getrunken, jemand hat hier wütend telefoniert“, sagt er.

Diese stillen, unscheinbaren Momente zu suchen und zu fotografieren, beschreibt Zhongzixia als „kindliche Freude“, die für ihn mit einem Spielzeug seiner Kindheit zusammenhängt: zwölf kleine Würfel, auf denen Teile von sechs verschiedenen Stadtfotos abgebildet waren. Die kleinen Würfel konnten zu einem großen Gesamtbild zusammengefügt werden. Als Kind habe er jedoch jedes einzelne Kästchen für sich betrachtet und sich vorgestellt, welche Geschichten die kleinen Ausschnitte zeigen.

Zhongzixia ist in Shanghai geboren und aufgewachsen. An der China Academy of Art studierte er radio and television acting, nach seinem Studium zog er nach Deutschland. Seit 2018 studiert er Regie an der HFF in München. Dann kam die Covid-Pandemie und Zhongzixia konnte zweieinhalb Jahre nicht nach China fliegen und seine Eltern besuchen.

Aus Heimweh und Einsamkeit wuchs sein Konzept für „10 im Quadrat“. „Ich dachte, du hast so viele verschiedene Emotionen. Und diese Emotionen müssen doch eine Form haben, wie ein Tier“, sagt er.

Für sein Konzept fragte Zhongzixia die Musikerinnen und Musiker: Welches Tier symbolisiert deine Einsamkeit?

Und wie kann diese Einsamkeit in Fotos dargestellt werden?

Für Zhongzixia symbolisiert der Wolfshund seine Einsamkeit. Für die Musikerin Mona Meiller, mit der Zhongzixia an diesem Tag shootet, symbolisiert ein Igel ihr Gefühl von Einsamkeit – weil sie sich einigelt. „Immer wenn mir was zu viel wird, tendiere ich dazu, mir die Decke über den Kopf zu ziehen und gar nicht mehr herauszugehen“, sagt Mona.

Barfuß, schwarz gekleidet, die dunkelblonden Haare zu einem lockeren Dutt zusammengebunden, sitzt sie auf dem Boden im Studio. Zhongzixia sitzt im Schneidersitz vor ihr und hält die Kamera eng an sein Gesicht. Die Sonne scheint durch die heruntergefahrenen Jalousien und reflektiert in hellen Punkten an der weißen Wand im Hintergrund.

All seine Vorgedanken und Ideen sammelt Zhongzixia in seinem Notizbuch. Darin befinden sich auch kleine Skizzen und Zeichnungen.

Malen ist für ihn „wie eine Sucht“, sagt er. „Manchmal fühlt sich Malen für mich nicht kreativ an, sondern eher wie Therapie. Dann sind da nur meine Augen, mein Kopf und meine Hand.“ Wenn er malt, sei für ihn das Ergebnis unwichtig. Für Zhongzixia gehe es allein um den Prozess. Etwas, das er nur für sich selbst tut, das nur für seine Welt bestimmt ist. Ganz im Gegenteil zu den Fotos, die er macht oder Filme, die er dreht. „Da frage ich mich immer: ‚Wie ist das Zuschauergefühl?'“

Früher fotografierte Zhongzixia analog, heute meist digital. Weil er sich dann weniger Druck mache, dass das Foto gut werden muss.

„Ich glaube, das Gefühl von Einsamkeit liebe und fürchte ich zugleich“, sagt Zhongzixia. Es erinnere ihn daran, dass er beides in sich trägt: Nähe und Distanz, ein tröstliches und ein beunruhigendes Gefühl. Wenn es um Kreativität geht, sagt er: „Ein paar traurige Gedanken sind manchmal gut.“

Eigentlich wollte Cleo Dietmayr, 18, Fußballerin werden. Früher war ihr Alltag streng getaktet: dreimal pro Woche Training, im Auto Hausaufgaben machen und Abendessen, Samstag und Sonntag Spiel. Dann verletzte sie sich und kurz bevor ihr Verein in die Bundesliga aufgestiegen ist, hörte Cleo auf, zu spielen.

Irgendwann folgte die Corona-Pandemie. Cleo fing wieder an, Klavier zu spielen, brachte sich das Gitarre-Spielen bei und schrieb ihre ersten Texte. „Irgendwie habe ich gemerkt, dass mir die Musik mehr zurückgibt als der Sport“, sagt sie heute.

Cleo sitzt an ihrem Schreibtisch, an der Wand über ihrem Bett hängt eine E-Gitarre. Gerade wird ihr Alltag durch Lernen bestimmt. In nur wenigen Tagen schreibt sie ihre erste Abitur-Prüfung.

Dass Cleo Musikerin werden möchte und sich ihren Traum von anderen nicht ausreden lassen will, hat sie vor einem Jahr in Berlin gemerkt. Dort hat sie sich mit anderen Musikerinnen und Musikern getroffen, sich ausgetauscht, ein Umfeld kennengelernt, das, so wie sie, einen Bezug zur Musik hat. Früher habe sie immer gesagt, dass sie studieren und Gymnasiallehrerin werden will. Erst vor einem Jahr habe sie gemerkt: „Ich muss das nicht sagen. Ich kann sagen: ‚Ich will Musik machen‘. Und das ist legitim“.

„Meine Songs kann man quasi als Tagebuch lesen“, sagt Cleo. „Ich versuche, möglichst viel zu teilen, weil im Endeffekt ist es das, was meine Musik ausmacht.“ Ihre Musik handelt von inneren Zweifeln und dem Mut, den eigenen Weg zu gehen. In ihren Songs möchte sie Menschen helfen und anderen zeigen, dass sie nicht allein sind.

Vor Kurzem veröffentlichte Cleo ihre erste Single „erwach(s)en“. Darin fragt sie sich, wie es sich anfühlt, wenn sich auf einmal alles verändert und man erwachsen wird. Wenn alle Freunde auf einmal wegziehen, Geschwister ausziehen und man sich selbst doch noch gar nicht bereit für den neuen Lebensabschnitt fühlt?

„Ich finde es einfach schön, zu träumen“, sagt Cleo. Gerade deswegen hat sie eine Bucketlist mit Festivals, auf denen sie „vielleicht eines Tages“ gerne spielen würde. Zunächst möchte sie aber erst mal eine EP oder ein Album veröffentlichen und weiter live auftreten. „Solche Momente sind so krass, weil man merkt, es gibt von außen Leute, die tatsächlich wahrnehmen, was ich mache.“

Ihre Gedanken verwandelt Cleo in Indie-, Pop- und Singer-Songwriter-Sounds. Sie befinde sich aber im Prozess, ihre Musikrichtung weiter zu finden. Sie selbst beschreibt sich als „All-in-Person“, für die Zukunft steht für sie fest: „Es ist schon wichtig, dass man einen Plan B hat. Aber es ist auf jeden Fall mein Plan A, für immer Musik zu machen.“

Was passiert, wenn neun Musikerinnen und Musiker in einem Haus in Polen für vier Tage aufeinandertreffen? Es entstehen Songs, Verbindungen, Freundschaften und Raum für musikalische Kreativität.

Dieses Jahr veranstaltete der Musiker Adrian Gibowski, 24, zum zweiten Mal sein Musik-Camp „Camp Ruby“ – im Ferienhaus seines Vaters an der polnischen Küste.„Ich habe alle meine Freunde eingepackt, die mit Musik zu tun haben und die komplett verteilt in Deutschland wohnen“, sagt er. „Ich wollte alle mal an einem Punkt sehen und zusammen mit allen Musik machen“.

Adrian sei es wichtig, dem Profitstreben in der Musikbranche gegenzuhalten und das Konzept für Newcomer so zugänglich wie möglich zu machen. Im Haus baute er über die Zeit drei Studios, ausgestattet mit Boxen, Interfaces und Instrumenten.

Jetzt sitzt Adrian auf dem Sofa in seinem Elternhaus. Die vergangenen Wochen fuhr er als Tour-Support quer durch Deutschland. Seine braunen gelockten Haare fallen ihm tief in die Stirn. Im Hintergrund im Wohnzimmer steht ein hellbraunes Schlagzeug, das seiner Schwester gehört.

„Musik war irgendwie schon immer da“, sagt Adrian. „Ich habe angefangen zu singen, als ich noch nicht denken konnte.“ Als Kind spielte er Blockflöte und Gitarre, und als Jugendlicher hat er „schon irgendwie 100 Songs geschrieben“. Aus all seinen Demos entstand dann sein Soloprojekt Fen.

Im September 2025 veröffentlichte Adrian seine erste EP „The Product of Growing up“. Es geht um „erwachsen werden und darum, seinen Platz in der Welt zu finden. Auch ein bisschen persönliches Familienchaos. Ein bisschen aufzuräumen und mit ganz vielen Sachen meinen Frieden zu finden. Erlebnisse, die man in seiner Jugend und im jungen Erwachsenenalter so macht“, sagt er.

Gerade arbeite Adrian an seinem ersten Album, in dem es „primär um Licht“ gehe. „Licht“ benutze er vor allem als Metapher für Emotionen und Erlebnisse. „Ich fand das so faszinierend. Weil Licht ist immer da und macht ganz viel Tolles, aber ist halt super flüchtig. Es kann super schnell verschwinden“, sagt er.

Geprägt sei Adrians Musik durch seine Introspektive. „Mit einem Hauch Melancholie“, sagt er. Dann fügt er hinzu: „Vielleicht auch ein bisschen mehr als nur ein Hauch.“ Er lacht. Seine Musik war für ihn immer seine Comfort Zone. „Ich hoffe, dass das für andere auch so sein kann. Dass man sich da reinflüchten kann und sich ein bisschen umarmt fühlt.“

Adrian erzählt, dass seine Eltern in seiner Kindheit kaum Musik gehört haben. „Deswegen war das immer so spannend. Weil das immer so ein Feld war, von dem wir nichts mitbekommen haben“, sagt er. „Als ich mit Musik angefangen habe, hatte ich nichts, wo ich irgendwie anfangen konnte. Es gab keinen Startpunkt, den musste ich mir selbst schaffen.“

Aus diesen Gedanken entstand Adrians Song „Middle Name“. Den Track schrieb er allein, an einem Nachmittag im Haus von seinem Vater in Polen. „Es geht darum, wie unfair diese Welt ist. Ich sehe jeden Tag so viele Leute in der Musikbranche, die sich super krass anstrengen, ganz viel machen und extrem viel Talent haben. Und dann total auf der Strecke bleiben. Das macht mich natürlich traurig und wütend“, sagt Adrian.

Der Song steht dabei als Metapher für Macht und Status. So wie im 17. Jahrhundert, als durch Mittelnamen Verbindungen zu Reichtum symbolisiert wurden. Der Song entstand, „to fight back the middle name“.

„Ψαλμός“. So heißt der erste Song auf Chris Jagodas Demoliste für sein neues Album. Der Titel ist griechisch und stammt aus dem Neuen Testament. Auf Deutsch bedeutet er „Psalm“.

Den Song hat Chris, 29, über seine große Schwester geschrieben. Er ist eine musikalische Dokumentation ihres Leidenswegs. Im Oktober vergangenen Jahres verstarb sie an Brustkrebs.

Als eine Art Klagelied „vergeht mit jeder Minute im Song ein Kapitel“, sagt Chris. Kapitel von ihrer Diagnose, der Realisation über die Krankheit, über Krankenhausaufenthalte, der Zeit im Hospiz bis zu ihrem Tod.

Tritt man in Chris Wohnzimmer, fällt einem sofort ein Holzschrank auf, der in einer Ecke des Raumes steht. Ein Gesellenstück, das Chris am Ende seiner Schreinerausbildung anfertigte. Der Schrank ist hoch und schmal, die Tür ist verglast. Die Schublade sei verzinkt, darauf ist Chris besonders stolz. Die Vitrine fertigte Chris 2021 gezielt für seine E-Gitarre an, die hinter der Glastür hängt. Der Gitarrenkorpus ist weiß und rosa gefärbt.

Neben der Vitrine steht ein Keyboard und mehrere Gitarren in einem Gitarrenständer. Auf dem Fensterbrett dahinter sind gerahmte Fotos von Jimi Hendrix aufgereiht. Auf der anderen Seite des Wohnzimmers lehnt hinter dem Esstisch ein großer Kontrabass an der Wand.

Chris blond gefärbte Haare fallen verwuschelt über seine Stirn. An seiner Nase trägt er ein Piercing.

Chris kam erst spät zur Musik. Mit 20 kaufte er sich seine erste Gitarre, um mit dem großen Bruder eines Freundes spielen zu können, den er immer sehr bewunderte. Während seiner Schreinerausbildung bereitete er sich dann für die Aufnahmeprüfung an der Jazz-School in München-Pasing mit Hauptfachinstrument Jazz-Gitarre vor.

Chris erzählt, dass der Tod seiner Schwester sein Ansporn war, sich selbst in seinem Musikprojekt zu verwirklichen. In der Musik fand er einen Kanal, seine Trauer und seinen Schmerz über den Verlust seiner Schwester zu verarbeiten.

So entstand auch „Ψαλμός“. „Ich entscheide mich bewusst, keine Texte zum Song zu schreiben“, sagt Chris. Er hätte das Gefühl, Bedeutungen vorwegzunehmen. „Meine Schwester war gläubig, deswegen auch der Titel.“ Im Song gebe es viele Parallelen und Bezüge zu seiner Schwester, die er aber „den Hörern nicht ins Gesicht drücken will.“

Der zweite Track auf seiner Demoliste heißt „Last Spring“. Mit diesem Track wolle Chris die schönen Seiten des Lebens zeigen. Der Song startet mit einem hellen Gitarrenkick und führt ein in eine heile Welt von damals. Er erzählt von einem Frühling, in dem Chris frisch verliebt war und er mit Bands im ZDF-Morgenmagazin spielte.

„Mir hat sich diese Welt aufgemacht und ich wollte, dass der Song sich anfühlt wie ein Frühling. Wie wenn was aufblüht“, sagt Chris. Mit der Geschichte, die er in „Last Spring“ erzählt, verbinde er jedoch auch Schmerz und Nostalgie. „Weil es der letzte Frühling war, der zu genießen ist. Weil danach einfach alles anders war.“

Wenn er über seine Schwester spricht, wendet Chris manchmal seinen Blick ab und schaut aus dem Fenster. Man spürt, wie nahe ihm das Thema geht. 

Die Auseinandersetzung mit seiner Trauer und die Entstehung seiner Lieder beschreibt Chris als „teilweise ziemlich wehleidigen Prozess“. Seine Musik entsteht durch Gefühle, die er im Prozess des Musikmachens ergründet und verarbeitet. Dazu kommt eine akademische Komponente: Er schreibt sich immer ein Konzept, und überlegt, wie die verschiedenen Parts am Klavier und an der Gitarre klingen können. Dann widmet er sich dem dramaturgischen Aufbau und baut Orgel, Bass, Drums und weitere Instrumente ein.

Dabei hat er vor allem Spaß an der Orgel gefunden. „Orgel ist das, was ich gerade am meisten liebe und am liebsten aufnehme und spiele. Orgel klingt einfach super cool und ich mag, wie man sie spielt. Weil es ein ganz anderer Ansatz ist als beim Klavier“, sagt er.

Im Sommer dieses Jahres wird Chris seinen Abschluss an der Jazz School machen. Danach möchte er Gitarrenlehrer werden. Bereits jetzt hat er eine Stelle an der Musikschule in München-Ismaning. „Ich träume nie von der Solokarriere“, sagt Chris. „Ich will einfach unterrichten.“

Später sagt er: „Ich liebe eigentlich alles, was ich mache. Ich finde alles so geil. Ich liebe die ganzen Instrumente, die ich habe und dass ich dem Ganzen so viel Ausdruck verleihen kann.“

Als Isabella Löscher 12 Jahre alt war, schenkte ihr Vater ihr einen Tag im Tonstudio. Damals schrieb sie einen deutschen Text auf einen englischen Radio-Song und sang dazu. Den Song nahm sie dann im Studio auf. An das Gefühl, das sie damals im Studio hatte, erinnert sie sich die 23-Jährige noch heute: „Ich stand dann da mit den Kopfhörern und dachte mir: Hier gehöre ich hin.“

Musik begleitet Isabella schon ihr Leben lang. Sie sang im Kinderchor, fing mit fünf Jahren an, Klavier zu spielen, veröffentlichte ihre ersten Songs auf SoundCloud und machte vor Kurzem ihren Bachelor in Audio-Engineering. Ihre Eltern sind beide selbständig in künstlerischen Berufen, ihre Mutter als Tanzlehrerin und ihr Vater als Schauspieler und Musiker. Sie bestärkten Isabella immer in ihrer Musik.

„Dadurch hatte ich von Anfang an ein Urvertrauen darin, dass das eine Zukunft hat“, sagt sie. Wenn sie spricht, stechen Isabellas hellgrüne Augen zwischen zwei silbernen Piercings auf ihrem Nasenrücken hervor. Ihr Gesicht wird durch ihren geraden Pony und ihre schwarzen langen Haare umrahmt.

Isabella, die sich als Musikerin Belli nennt, baut sich rund um ihre Musik eine ganze Welt, die sie selbst verkörpert – optisch und musikalisch. Eine Feenwelt, in der verträumte Melodien auf elektronische Sounds treffen. Diesen Kosmos entwickelte sie anhand von fünf Werten, die ihre Kunst beschreiben und die auf einem großen DIN-A-3-Poster in ihrem Zimmer aufgelistet sind: Empathie, Fantasie, Freiheit, Ästhetik und Mut.

Einmal die Woche trifft sich Isabella mit ihrem Produzenten im Studio. Aus „crappy Sprachmemos“, die sie in der Nacht aufnimmt und Texte einspricht oder Melodien einsingt, entstehen ihre Songs. Dieses Jahr möchte sie zum ersten Mal in die andere Rolle schlüpfen: die als Musikproduzentin. „Ich fühle mich endlich wohl in dem, was ich tue. Ich dachte ewig lange, ich kann das nicht oder ich bin nicht gut genug. Das bekommt man leider auch oft von außen mitgeteilt als Frau“, sagt sie.

Ein wichtiger Schritt in dem Erlangen ihres Selbstvertrauens war für Isabella ein Umfeld, in dem „andere Leute einen ähnlichen Weg gehen und auch Musik machen“. Ein Raum, in dem man sich gegenseitig unterstützt und einen „Safe Space“ kreiert.

Einen Zufluchtsort, den Isabella selbst lange gesucht und gefunden hat, möchte sie mit ihrer Musik an andere Menschen weitergeben. Isabella selbst ist neurodivergent. Sie erzählt von ihrer Hypersensibilität, dass sie schon immer viel gefühlt hat und schnell reizüberflutet ist.

2022 sprach sie in ihrem Song „verlier mich“ das erste Mal über ihre Angststörung und Panikattacken. Jetzt, nach zehn Jahren, habe sie Frieden mit ihren Ängsten gefunden. Mit dem Song „Killer“ verabschiedet sie sich von diesem alten Kapitel, bevor sie mit ihrer kommenden Debüt-EP im September Songs veröffentlichen wird, „die so leicht wie noch nie aus echten, positiven Gefühlen entstanden“ sind.

„Meine Männer kaufen mir Blumen und ghosten mich dann, meine Männer fliegen mit mir in den Urlaub und sind verlobt.“ Mona Meiller, 28, steht am Mikro. Sie trägt einen braunen Mantel, ihr dunkelblonden Haare fallen offen auf den Fellkragen. „Männer, oh Männer, es ist doch nicht so schwer, kein Arsch zu sein.“ Mona spielt mit der Kamera, mit dem Text, den sie ins Mikro einspricht und singt.

Monas „Männer-Song“, wie sie ihn selbst bezeichnet, hat auf ihrem Instagram-Account „eingeschlagen, wie eine Bombe“. Die Menschen feiern den Kabarett-Stil des Looks, des Klangs, der ganzen Aufmachung. Den simplen, aber wahren Text.

Dabei schreibt Mona eigentlich eher metaphorische Texte, die sie meist mit Humor und Selbstironie verbindet. „Ich versuche immer, alles nicht ganz so schwer zu nehmen“, sagt sie. „Aber es ist auch viel Herzschmerz dabei und manchmal auch viel Drama“, fügt sie hinzu und lacht.

Ihren Musikstil bezeichnet Mona selbst als Neo-Chanson, „nicht ganz so altbacken“ wie in den 20er-Jahren, „teilweise mit elektronischen Elementen“ und mit viel Sprechgesang.

Themen, die Mona in ihrer Musik beschäftigen, sind vor allem durch Beziehungen, Körperlichkeit und Familiendynamiken geprägt. Immer wieder fragt sie sich, wie sie privat in romantischen Beziehungen ein gesundes Gleichgewicht zwischen Nähe und Distanz schaffen kann. Manchmal liege sie nachts wach im Bett, die Gedanken kreisen, dann kommt ein Satz in den Kopf, aus dem dann ein Song auf ihrem Dachboden entsteht. So wie ihr Album „20 000 Zellen“, das im Herbst veröffentlicht wird und das Mona analog, mit kompletter Bandbesetzung aufgenommen hat.

„Wenn man einen Song schreibt, er fertig ist und man ihn zum ersten Mal spielt. Diesen Moment, den bekommt man nie wieder“, sagt Mona. Momente, die ihre Liebe zur Musik, ihr Dasein als Musikerin ausmachen.

Mit genau diesem Künstlerin-Sein kämpft sie jedoch immer wieder. Mit der Frage, inwieweit sie ihre Vorstellung von Musik durchsetzen kann, ohne ihre künstlerische Identität zu verlieren. Und ab wann sie sich dem Kommerz hingibt. „Ich habe in letzter Zeit gemerkt, dass ich mich zu sehr eingrenzen lassen habe, mich immer gefragt habe ‚Was darf ich, was nicht?‘ ‚Was passt rein, was passt nicht rein?‘“, sagt sie. Ihr „Männer-Song“ war wie ein Befreiungsschlag für sie.

In ihrer Kindheit lebte Mona drei Jahre auf Ibiza. Danach ging sie auf ein Internat in Österreich und machte eine Ausbildung als Maschinenbautechnikerin. In Hamburg studierte sie Schauspiel und Moderation und besuchte die Musikhochschule mit Hauptfach Gesang.

„Da habe ich gemerkt, dass ich eine gute Sängerin bin und dass ich mit den anderen mithalte“, sagt sie. Zu dieser Zeit gründete Mona zusammen mit einem Freund ihre Band Galant. Seit einem Jahr kommt ihr Soloprojekt dazu: Mona Meiller. In ihrer Solokarriere ist Mona ganz sie selbst. Dabei liebe sie es, in ihrer Band Galant im roten Netzbody mit roten Zebrastreifen auf Bühnen aufzutreten, sich zu inszenieren und immer wieder neu zu erfinden.

Anders in ihrem Soloprojekt: „Als ich die Band gegründet habe, war ich Anfang 20. Ich glaube, dass ich jetzt mittlerweile so erwachsen und stark bin, dass ich keine Kunstfigur mehr brauche, hinter der ich mich verstecken kann. Jetzt bin ich so weit, dass ich mit meinem Gesicht alle Facetten zeigen kann.“

Im Studio rollt sich Mona über den Boden und liegt auf einem Flügel, während sie in die Kamera singt: „Meine Männer geben mir Deadlines und wollen wie mein Dad sein und wohnen selber noch bei ihrer Mom.“ Am Ende des Songs schlussfolgert sie: „Ich liebe euch, doch bleib lieber allein.“

„Musik kann jegliche Gefühle erzeugen, die ich haben möchte. Und manchmal auch nicht haben möchte“, sagt die Musikerin Kristina Paulini, 33. „Das Schönste ist eigentlich, wenn man die Mood, die man hat, durch Musik verstärken kann.“ Musik sei für Kristina starker Gefühlsbringer. Aber auch Linderungsbringer. Sie erzählt, dass sie früher alles machen wollte, was ihr Bruder gemacht hat. Deswegen begann sie, Klavierunterricht zu nehmen. Nach ihrem Abitur fing Kristina dann ihr Klavierstudium in Augsburg an.

Wenn sie sich an ihr Studium zurückerinnert, denkt Kristina an schöne Momente. Aber auch an schwierige. Daran, dass sie „panische Angst hatte, Fehler zu machen“. Dass sie Tage vor Klassikkonzerten nicht mehr schlafen konnte. Dass ihr schwindelig wurde. Dass sie nicht mehr atmen konnte. Dass sie immer wieder Panikattacken hatte.

Trotzdem schloss sie ihr Studium ab. Nach ihren Abschlussprüfungen spielte Kristina lange Zeit kein Klavier mehr. „Mir ist im ersten Jahr im Studium aufgefallen, dass es mir so gegen den Strich geht, dass ich beim Klavierspielen sitzen muss und dass alle ruhig sind. Das macht so krass Druck“, sagt sie. „Ich habe viel mehr Bock, mich frei zu fühlen, herumzuspringen. Leute anzuschreien, ein Bühnenkostüm zu haben. Immer dieses schwarz anziehen in der Klassik mochte ich gar nicht.“

Kristina steht in ihrem WG-Zimmer in München an der Hackerbrücke. Sie trägt ein weites weißes T-Shirt, ihre hellbraunen Augen haben die gleiche Farbe wie ihre Sommersprossen. Ihre langen hellblond gefärbten Haare hat sie zu einem Zopf gebunden, aus dem ein paar lachsfarbene und pinke Strähnen hängen.

Nach ihrem Studium machte Kristina ein Praktikum bei EgoFM, kurz darauf lernte sie ihren heutigen Bandkollegen kennen. Zusammen bilden sie das deutschsprachige Electro-Pop-Duo Fliegende Haie. Zuerst experimentierten die beiden in ihrer Musik. Beide gingen durch einen Findungsprozess und fragten sich: „Was wollen wir als Musiker?“ Kristina selbst sei immer noch die „Klassik-Maus“ gewesen, wie sie selbst sagt. Die noch gar nicht wusste, was sie als Person möchte.

Heute ist Kristina auf der Bühne laut, wütend, fordernd. „Ich will, dass die Leute mir zuhören, mich anschauen“, sagt sie. In ihrer Musik verbindet Kristina und ihr Bandkollege den „Ansporn, Leute, die sich in ihrem Denken zu sehr wohlfühlen, unwohl fühlen zu lassen“.

In ihren Songs geht es um Sexismus, Übergriffe, Feminismus und Gesellschaftskritik. Sie hinterfragen das System, provozieren und beziehen Stellung.

„Ich habe das Gefühl, dass ich durch meine Bühnenperson selbstbewusster mit meinem ‚Ich‘ geworden bin. Da bin ich alles, was ich schon immer gern sein wollte. Es ist mir bisschen mehr egal, was die Leute denken, wenn ich auf der Bühne stehe“, sagt Kristina. „Die Vorstellung, dass ich mal so eben Beethoven und Sonaten oder Chopin-Etüden spielen konnte, macht in meinem Kopf gar keinen Sinn mehr.“

In ihrer Band hat Kristina ihren Platz in der Musikwelt gefunden. „Wir wollten immer Ballermucke machen, solange wir uns bewegen können“, sagt sie und lacht. „Klavier spielen kann ich noch, wenn ich 80 bin.“

Vom Kokon zum Schmetterling – ein Bild für Hannah Siebauers Selbstfindungsprozess.

Ende 2025 erschien Hannahs erstes Album „in order to grow“. Die darin aufgelisteten Songs lassen sich wie der Prozess eines Kokons zum Schmetterling lesen. Das Album beginnt mit dem Titel „antagonist“, Gegenspieler. Von „freezing“ und „without you“ geht es über „collecting stars“ zu „nothing to hide“. Am Ende steht „grow“, der letzte Song des Albums. „in order to grow“ steht für Selbstliebe, Heartbreaks, Wachstum und Heilung.

„Es geht darum, dass alles, was passiert, aus einem bestimmten Grund passiert“, sagt Hannah, 22, die sich als Musikerin niah nennt. „Wenn mir nicht so viel Kacke passiert wäre, dann wäre ich jetzt nicht da, wo ich bin. Und dann wäre ich nicht so glücklich, wie ich jetzt bin. Der Fokus liegt darauf, dass ich sehr viel aus allem gelernt habe und dass es auch okay ist, in solchen Situationen zu sein.“

Mit der Musik habe Hannah einen Weg gefunden, ihre Gefühle und Gedanken zu ordnen. „Für mich war es immer schwer zu greifen, was ich gedacht und gefühlt habe. Es war immer Chaos in meinem Kopf.“

Hannahs blonde glatte Haare fallen glänzend über ihre Schultern. Sie trägt einen grauen Kapuzenpulli und goldene Ketten. Im Hintergrund hängt ein rosa Plakat mit der Aufschrift „desolée“ in pinker Schrift.

Als Jugendliche litt Hannah unter Depressionen. Ihren Umgang mit der Krankheit und dem Gefühl, damit allein zu sein, verarbeitete sie in Gedichten und Poetry-Slams. Später fing sie an, Cover-Songs am Klavier zu spielen. Aus eigener Erfahrung weiß sie, wie viel Wert es ist, mit Menschen über mentale Gesundheit zu sprechen, die ähnlich fühlen und gleiche Probleme haben.

Die Themen, die sie in ihrer ruhigen und sanften Musik verpackt, hat Hannah immer selbst erlebt. Die Geschichten, die sie in ihren Songs verarbeitet, sind für sie sehr persönlich. Es geht um „Typen und Heartbreak-Zeug“, wie sie selbst sagt, um mentale Gesundheit und Selbstverletzung.

Hannahs Musik klingt ruhig, melancholisch, getrieben von den sanften Melodien. Es gibt keine harten Cuts oder Beats. Wenn sie eine Zeile im Kopf hat, setzt sie sich meist ans Klavier und spielt simple Akkorde. „Das reicht für mich, weil ich will, dass mein Text im Fokus steht.“

„Ich mache Musik nur, wenn mich irgendwas beschäftigt oder wenn ich ein Thema habe, das gerade in mir vorgeht“, sagt Hannah. Ihre Musik hält sie bewusst als Hobby – weil sie Musik schon immer in erster Linie für sich selbst, als Kanal für ihre Gedanken gemacht hat. „Mir war immer komplett egal, wie viele Leute sich das anhören. Wenn es Leuten gefällt, dann freut mich das voll. Ich liebe es, live zu spielen und zu sehen, was meine Musik mit Leuten macht“, sagt sie. „Aber ich glaube, ich brauche auch einen Ausgleich davon.“

Ihre eigene Musik soll für sie ein Hobby bleiben. Trotzdem stand für Hannah schon immer fest: Sie möchte in der Musikbranche arbeiten. Mit 13 war Hannah das erste Mal auf einem Konzert. „Da hatte ich so ein krasses Gefühl und dachte mir, ich will später mal was machen, was Leuten dieses Gefühl gibt. Ich will Teil davon sein.“

Aktuell schreibt sie ihre Abschlussprüfungen – im Milla Club in München macht sie eine Ausbildung als Veranstaltungskauffrau. Ihr Traum ist es, irgendwann ein kleines Kulturcafé zu eröffnen. Ein „Meeting Space“, um kreative Menschen zusammenzubringen, bei Live-Konzerten und Workshops.

Im Milla Club nahm Hannah vor zwei Jahren an einem Song-Contest teil. Die Zuschauerinnen und Zuschauer stimmten damals per Handzeichen für den besten Auftritt des Abends ab. Der Saal war ausverkauft, 220 Menschen kamen. Als Hannahs Name aufgerufen wurde, gingen plötzlich dutzende Hände nach oben. Sie gewann den Wettbewerb. „Sogar Monate danach hatte ich noch Bauchkribbeln. Es hat sich die ganze Zeit gehalten.“

Seine Songs schreibt Max Weigl, 32, über „slow küssen“, Umzüge und was man dabei zurücklässt, Polar-Eisbären und heiße Schokolade. Mit 14 hatte er seinen ersten „Heartbreak“, kaufte sich eine Gitarre und schrieb seine ersten Liebeslieder. „Bevor ich überhaupt Töne gelernt habe“, sagt er und lacht.

Max sitzt in seiner Wohnung in Neuhausen. Er trägt einen Schnauzer, einen weiten Hoodie und eine Eulenkette, die seine Mama „wahrscheinlich so vor 20 Jahren schon getragen hat“. Max ist schon früh zur Musik gekommen. Sein Papa spielt hobbymäßig in einer Jazz-Band, als Kind lernte er Posaune und spielte in einer Schulband. Seine ersten Konzerte spielte er mit seiner ersten Band „Rudern“, mit der er damals den Sprungblatt-Wettbewerb gewann.

Mittlerweile ist Max Kopf seines eigenen Soloprojekts „insschlosswollen“. „Ich hatte Bock, Dinge zu verwirklichen, wie ich sie mir vorstelle. Es hat sich wie eine Befreiung angefühlt, das mit meinem Soloprojekt insschlosswollen zu framen. Ich habe jetzt nicht mehr das Gefühl, ich muss jemandem was beweisen. Es muss erst mal nur mir gefallen“, sagt Max. Der Name seines Soloprojekts bedeutet für Max den Prozess in seinen Zwanzigern, irgendwann in seinem symbolischen Schloss anzukommen, das er gerade selbst noch baut.

„Die Perspektive von der Musik ist aber, dass man da eh nie ankommt. Das nächste Schloss ist eigentlich immer das nächste Projekt, das man so hat“, sagt er.

Neben seiner Musik studiert Max Drehbuch an der HFF in München. Im Interview spricht er über die beiden Medien, Musik und Film, und ihre Bedeutung in seiner kreativen Auseinandersetzung mit der Umwelt.

„Mein kurzes Ventil ist die Musik“, sagt er. Oft setze er Ironie in seinen Texten ein, „ein schnelles Mittel, um Sachen zu brechen. Aber du kannst nicht wie im Film mehrere Ebenen aufbauen, weil ein Song einfach zu kurz ist. Deswegen merke ich, dass ich die Musik oft brauche, wenn ich einfach eine schnelle künstlerische Befriedigung brauche.“ Gerade aus seiner „Indie-Boy-Perspektive“, wie Max sie nennt, sei es ihm wichtig, dass seine Texte eine ironische Färbung haben.

Die Texte für seine Songs entstehen beim Spazierengehen. Themen verarbeitet er in Form von Tagebucheinträgen, die zwar nicht autobiografisch, aber sehr nah und intim an ihm und eigenen Erlebnissen sind. Eine Art „gesellschaftskritische Poesie“ und „Coming-of-Age-Themen“, wie er sagt. „Coming-of-Age bedeutet auch immer, dass man noch verletzliche Anteile aus seiner Kindheit mitschleppt.“

Erinnerung – eine große Bedeutung in seiner Musik. „Ich glaube, dass ich extrem intensiv wahrnehme und fühle. Und ich halte einfach gerne fest“, sagt er.

„Ich glaube, eine richtig gute Idee hat man nur ein paarmal im Jahr“, sagt Max. Dann frage er sich: Was beschäftigt mich gerade so wirklich? Was passiert in meinem Umfeld? Und was berührt mich? „Wenn das alles zusammenkommt und man das Gefühl ernst nimmt, dann macht man meistens sehr gute Kunst.“

Dann sagt Max: „Ich glaube, ich bin ein krasser Träumer. Aber ich träume immer sehr bescheiden eigentlich.“ Er grinst.

Mit fünf Jahren begann Len Zelnitschek, heute 21, Gitarre zu spielen, mit sechs entdeckte er seine Leidenschaft für den E-Bass. Während seiner Schulzeit auf einem musischen Gymnasium folgte der Kontrabass, er sang im Chor, spielte im Orchester und in der Big Band der Schule. Wie er selbst sagt, habe er im Laufe der Zeit eine „Obsession“ mit alten Musikinstrumenten entwickelt, wie der Laute und der Rahmentrommel.

Mittlerweile studiert Len „Jazz Kontrabass“ an der Hochschule für Musik und Theater. Je mehr er sich mit Musik beschäftigt, desto mehr Spaß finde er an akustischen und weniger an elektrischen Instrumenten. „Ich mag diesen natürlichen Klang sehr gerne und finde die Resonanz, die die Instrumente von sich aus haben, sehr spannend“, sagt Len.

2025 spielte er auf dem Jazz-Open in Stuttgart mit der Band Fusion ALP Trio vor 3 000 Menschen. „Das hat mir wahnsinnig viel Spaß gemacht. Je länger ich Musik gemacht habe, desto weniger gab es irgendwas, was mir vergleichbar viel Sinn gegeben hat“, sagt er.

Len sitzt zu Hause in der Küche, noch wohnt er bei seinen Eltern im Münchner Glockenbachviertel. Er trägt ein T-Shirt und schwarze große Kopfhörer. Seine langen blonden Haare fallen ihm in Wellen über seine Schulter.

Musik bedeutet für Len primär die Interaktion mit anderen Menschen. „Eine Art von Zusammenspiel und Zusammensein. Musik ist nichts, was ich allein tun möchte. Es ist eine sehr feine Balance zwischen selbst etwas in die Musik hereingeben und gleichzeitig total offen sein, um von anderen zu empfangen“, sagt er. Für das, was im Moment passiert.

„Wenn man manche Instrumente allein spielt, können sie sich total einsam anfühlen. Der Kontrabass ist einfach ein Instrument, das dazu gemacht wurde, mit anderen Leuten zusammenzuspielen und andere zu unterstützen“, sagt Len.

Seine Sicht auf Jazz hat sich im Laufe der Zeit verändert. „Ich habe das Gefühl, dass es in der Jazz-Musik oft darum geht, dass man irgendein Fundament hat, um darüber viele Noten spielen zu dürfen. Und das ist nicht mehr so mein Vibe und wird der Schönheit der Musik nicht so gerecht, finde ich.“ Daher komponiert und schreibt Len selbst Lieder. „Ich schreibe kein Stück, um dann darüber zu improvisieren. Sondern ich schreibe ein Stück. Und wenn es passt, dann wird darüber auch noch improvisiert.“

Seine Songs entstehen durch Experimentieren an verschiedenen Instrumenten. „Bis ich etwas Schönes finde“, sagt er. „Dann setzte ich alles puzzlemäßig zusammen.“ In seiner Musik beschäftigt sich Len hauptsächlich mit negativen Emotionen. Von seinem Weg aus den Depressionen, dem Gefühl, nicht verstanden zu werden. „Ich schreibe eher traurige und melancholische Musik. Ich mag das total. Aber gleichzeitig ist sie auch sehr explosiv auf eine Art“, sagt Len. Er wolle immer eine Geschichte hinter seinen Stücken haben.

Dafür distanziert er sich immer wieder von den starren Regeln, die er in seinem Studium über Jazz-Musik gelernt hat. „Dadurch, dass ich mich jetzt damit so viel beschäftige auf einer akademischen Ebene, glaube ich, dass die Musik ein bisschen weniger emotional geworden ist für mich. Das finde ich schon schade“, sagt Len.

Heute spielt Len in verschiedenen Bands und bewegt sich dabei zwischen verschiedenen Genres – von Bavarian Math Punk über Techno-Jazz und arabisch beeinflussten Jazz bis zu Folk. Dadurch würde er sich selbst auch nicht als „reinen Jazzmusiker“ bezeichnen. Sein derzeitiges Hauptprojekt, Nice Inc., etwa schlägt mit Bavarian Math Punk deutlich punkige Töne an.

Len erzählt, dass ihm manchmal der Ausgleich zur Musik fehle. „Manchmal bin ich draußen unterwegs und höre Musik und merke, dass ich gerade gar keinen Bock habe, Musik zu hören“, sagt er. „Dann setze ich die Kopfhörer ab und merke, wie schön die Außenwelt eigentlich sein kann, wenn man nicht immerzu in seiner Musik-Bubble unterwegs ist.“

Ruben Zirkel, 24, sitzt rauchend im Garten von seinem Elternhaus in München-Pasing. Hinter ihm erstreckt sich der blaue Himmel. Die Sonne scheint durch die großen Bäume auf seine dunkelbraunen Haare, die im Mittelscheitel fallen. Er trägt ein blaues Adidas-T-Shirt und eine Perlenkette.

Vor einem halben Jahr zog Ruben für seinen Master in Wirtschaftsingenieurwesen nach Wien. Er erzählt, dass er sich auch jetzt, nach seinem Umzug nach Wien, sehr mit München verbunden fühlt.

In seiner Musik singt er immer wieder über Heimat, Kindheit und Freundschaften, die ihn als männliche Person in seiner Sozialisation geprägt hätten. Freunde, mit denen er über seine Gefühle und Probleme sprechen konnte. „Für mich stand nie wirklich großartig zur Debatte, dass man das als männliche Person nicht macht“, sagt er.

Ruben begann vor drei Jahren, Musik zu machen. Im Sommer 2023 traf er sich mit einem Freund, zusammen schrieben sie Texte auf YouTube-Beats. 2024 veröffentlichte er dann seinen ersten Track mit einem Freund, bevor seine ersten Soloprojekte entstanden. Gleich darauf veröffentlichte er seine erste EP „zurück in den sommer“.

2025 spielte er seinen ersten Live-Auftritt mit einem Freund in der Goldenen Bar in München. An einem geschlossenen Donnerstag luden sie Freunde und Familie ein und spielten eine Akustik-Session.

Im Backstage hostete er im gleichen Jahr sein erstes Event, das damals noch „underground rap“ hieß. Ende Mai dieses Jahres veranstaltet er den Abend wieder, von jetzt an mit dem Namen „Fuck the Hype“.

„Letztes Jahr war das voll der krasse Erfolg. Am Ende war der Laden fast ausverkauft“, sagt Ruben. Mit dem Event positioniert er sich klar gegen den „klassischen Hype-Gedanken in der Musikbranche“, wie er auf Instagram schreibt. Er wolle Künstlerinnen und Künstlern eine Möglichkeit geben, live zu spielen und Bühnenerfahrung zu machen. „Wir wollen eine Plattform schaffen, die fair ist, die unterstützt statt aussortiert.“ Dabei zählen weder Reichweite noch Zahlen oder Bekanntheit.

Sein Traum ist es, als Musiker, „einmal Mainstage beim ,Oben ohne' zum Sommeruntergang zu spielen“. Auch wenn er merkt, dass er immer wieder Abstand zur Musik benötigt. „Ich habe manchmal das Gefühl, dass ich, wenn zu viel Gewichtung in die Musik fällt, eher davon wegkomme. Und nicht mehr so viel Spaß daran habe, wie wenn ich das einfach nebenher verfolge und ein bisschen als Hobby sehe“, sagt Ruben.

In seiner Musik drückt Ruben aus, was ihn bewegt und was er fühlt. Inspiration für seine Texte finde er in den verschiedenen Perspektiven der Menschen auf das Leben. „Ich finde es interessant, wie andere Leute zu verschiedensten Themen auf die Welt sehen. Jeder hat eine bestimmte Weltanschauung, nicht nur politisch gesehen. Allgemein, wie man ans Leben rangeht. Das ist schon auch eine Sache, die ich ein bisschen in meine Musik mit reinpacke“, sagt er.

Grundsätzlich sei er ein positiver Mensch. „Aber ich denke oft, dass die Welt ein bisschen fairer und freundlicher sein könnte. Und ich deswegen auch manchmal eine gewisse Melancholie gepaart mit Pessimismus vielleicht mittrage.“